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Geboren am 6. Januar 1958 in Castrovillari (CS), zog er im Alter von acht Jahren mit seiner Familie nach Bassano del Grappa. Nach etwa sechs Monaten kam er in Bologna an, als zweiter Sohn seiner Schwester und eines Staatsangestellten im Justizpalast und einer Sekretärin in einer privaten Arztpraxis. Derzeit wohnt er in P. za F. D. Roosevelt. Bereits im Alter von neun Jahren begann er, Kunst zu studieren und zeigte dabei eine außergewöhnliche Begabung. Als Autodidakt malte er bis zu seinem siebzehnten Lebensjahr, wobei er verschiedenen Strömungen folgte und die unterschiedlichsten Maltechniken auf verschiedenen Medien und Materialien verwendete. Nach einer kurzen Denkpause nahm er seine künstlerische Tätigkeit mit seinem persönlichen und originellen Malprozess wieder auf. Im Alter von 30 Jahren zieht er nach Loiano (wo er fünf Jahre lang lebt), einem kleinen, ruhigen Dorf in der Hauptstadt der Emilia, wo er seine Kunst etabliert. Jedes Werk, das er schuf, war ein Schritt vorwärts in seiner inneren Suche, ein Wunsch, dieses noch verborgene spirituelle Ziel zu erreichen.rnSein Kampf, seine Beziehung zwischen Mensch und Gottheit, führte ihn dazu, die göttliche Sprache anzunehmen, da diese Sprache keine menschlichen Grenzen kennt. (Mystik)rnrn Angelo De Marco alias Anghel De MarcornMit der immer wieder faszinierenden Sprache des Symbolismus, die durch die tägliche Erforschung seiner eigenen Erfahrung und der der Menschheit noch bereichert wird, präsentiert uns Anghel De Marco eine atropo-philosophische und ästhetische Botschaft, die sowohl inhaltlich als auch in ihrer Art und Weise absolut beispiellos ist. Es versteht sich von selbst, dass die fesselnde und anregende Suggestion der Atmosphären dem Leser sofort das Bewusstsein für das uralte und lebensspendende Erbe der Interaktion zwischen Mensch und Kosmos zurückgibt, befreit von den illusorischen Überlagerungen/Integrationen eines unruhigen und uralten Alltags.rnDer Künstler selbst verdeutlicht implizit den Wert, den die direkte Beziehung zwischen dem Menschen und dem Zeichen, das ihn in einer aktuellen (und historisch zyklischen) Spannung mit der Gesellschaft repräsentiert, im Bild hat. Es ist eine Botschaft, die sich - mit Verweisen auf jahrtausendealte und universelle Transzendenzvorschläge, auf persische und babylonische Wurzeln - einer bedeutungsschwangeren und essentiellen Phraseologie bedient, die durch ferne Mythologien des Nahen Ostens und des Mittelmeers, aber noch mehr (und in entscheidendem Maße) durch die geheimnisvollen Implikationen des biblischen Lexikons, insbesondere der Apokalypse, kulturell mutiert ist. Mir scheint, dass ich De Marco mit dem Propheten des Evangeliums vergleichen kann, der aus dem fleißigen Exil von Patmos zur Welt von neuen und helleren Grenzen spricht: eine Sonneninsel, Werkstatt und Zufluchtsort, die für den Künstler ein metropolitanes Patmos ist, bedroht und angegriffen von existenziellen Verschmutzungen, aber solide und unbestechlich turris eburnea. Aus diesem Patmos der Kunst und des Lebens strömt ein bildnerischer Diskurs von bemerkenswerter Ordnung, der sich im sicheren Zeichen sauberer und polierter Bilder entfaltet, die scheinbar heiter sind wie die berühmten Planeten von Donato Creti, an die man sich auch erinnern kann, die aber von großartigen anatomischen Kräften vibrieren, die an Kruzifixe aus dem 12. Jahrhundert und Marco d'Agrate erinnern, an das Pathos und den Realismus von Mantegna, an Klänge, die in einer metaphysischen Tonart asperische Kämpfe à la Paolo Uccello widerspiegeln. Sie sind, wie die von Anghel De Marco, Bilder von realen Kämpfen in der heutigen entfremdeten und zerfallenden Welt. Es gibt - da stimme ich der Künstlerin voll und ganz zu - eine Schönheit, eine physische Perfektion, die eine hervorragende Innerlichkeit darstellt. Die Farbe hat nicht nur eine alchemistische Bedeutung, sondern auch eine, die mit dem Thema zusammenhängt, so dass Rot in jedem Fall Liebe und Hass, Leidenschaft ausdrücken kann; Hellblau im Inneren Ruhe, Frieden. Der Kampf des Menschen ist im Wesentlichen ein streitbarer Dialog mit einem einzigen Gesprächspartner, der gleichzeitig er selbst und die Welt ist; und die dünnen und astralen Atmosphären drücken deutlich seine Einsamkeit und seine offene Perspektive aus, die Antinomien und Dichotomien auflöst und zusammensetzt. Surrealismus Weit gefehlt: philosophisch-ästhetische Themen wie die Hure, die Zweideutigkeit, der Weg, der Vorhang des Lebens, der Egoismus, die Insel der Liebe, der Pakt, der Weg der Weisheit, das Laster, das Gebet, die Kontemplation, die Niederlage, das Gleichgewicht... manifestieren in der Runde eine Liebe zum Menschen, die so intensiv und erlitten ist, dass sie Ironie, Sarkasmus, Oberflächlichkeit und einen gewissen manieristischen Intellektualismus als inkongruent ausschließt.rnDie Technik, die De Marco anwendet, ist ebenso originell (Airbrush mit Farben, Aquarellfarben, Stiften und Puder, auf aufwendig bearbeitetem Karton). Die Farben, die er aus überwiegend natürlichen Materialien selbst herstellt, unterstützen wirkungsvoll den spezifischen und globalen Diskurs.rnDe Marco gelangte dazu durch eine kohärente Malpraxis, die in seiner frühen Adoleszenz keimte und verschiedene technische Erfahrungen und eine eigenständig und hartnäckig verfolgte künstlerische Reifung durchlief.rnAls ich anfing zu malen - gesteht er - wollte ich den inneren Anreiz finden, um eine Botschaft über die Notwendigkeit zu übermitteln, die Augen für die Dinge zu öffnen, die falsch sind, um einen greifbaren, konkreten Glauben vorzuschlagen, der sich durch die Symbolik des Konkreten und der Spiritualität ausdrückt und auf alle Ausdrucksformen des Lebens anwendbar ist.rnDieser faszinierende und beunruhigende Rückblick zeigt, dass er seine Berufung in vollem Umfang verwirklicht hat, und zwar bereits an der Schwelle eines Tages in der Kunst, der ein Vorbote für viele weitere erfreuliche Errungenschaften zu sein verspricht.rnrn Oriano Tassinari ClòrnrnAnghel De Marco (geb. 1958)rnAutodidakt, Visionär, Pilger der Innerlichkeit.rnEr malt mit Asche, Erde, Erinnerung.rnSeine Figuren sind Schwellen, Wunden, offene Ikonen.rnEr sucht nicht nach dem Abbild des Menschen, sondern nach dem Abdruck des Unsichtbaren auf dem Menschen.rnEr verkauft keine Gemälde: er hütet Fragen.rnEr sucht nicht den Erfolg: er befragt die Zeit.rnDer Louvre sollte den heiligen Raum des Zuhörens öffnen.rnDort werden seine Werke endlich nicht mehr aufschreien. Sie werden beten.rnDer Mensch als verletzte Ikonernvon Kunstkritiker Georges Léon GaudibertrnDie Kunst von Anghel De Marco präsentiert sich als Liturgie des verwundeten Körpers. Jede seiner Figuren ist eine Schwelle zwischen dem Menschlichen und dem Göttlichen, zwischen Verderben und Erlösung. Es gibt nie eine reine Beschreibung oder Erzählung: es gibt eine Epiphanie. Körper sind Symbole, Gesichter sind Mysterien, Pigmente sind Sakramente.rnDe Marco arbeitet mit Materialien, die Erinnerungen transportieren: Asche, Lapislazuli, Oxide, Gips, Holzkohle. Seine Werke sind nicht zum Anschauen, sondern zum Anhören gedacht. Sie sind entweihte Ikonen, die durch den inneren Blick des Betrachters neu geweiht werden wollen.rnIn einer Gesellschaft, die Bilder konsumiert, schlägt De Marco das Schweigen des Bildes vor. Und er zwingt uns mit sanfter Gewalt, nackt vor das Sein zurückzukehren.rnrnrnrnrn
Geboren am 6. Januar 1958 in Castrovillari (CS), zog er im Alter von acht Jahren mit seiner Familie nach Bassano del Grappa. Nach etwa sechs Monaten kam er in Bologna an, als zweiter Sohn seiner Schwester und eines Staatsangestellten im Justizpalast und einer Sekretärin in einer privaten Arztpraxis. Derzeit wohnt er in P. za F. D. Roosevelt. Bereits im Alter von neun Jahren begann er, Kunst zu studieren und zeigte dabei eine außergewöhnliche Begabung. Als Autodidakt malte er bis zu seinem siebzehnten Lebensjahr, wobei er verschiedenen Strömungen folgte und die unterschiedlichsten Maltechniken auf verschiedenen Medien und Materialien verwendete. Nach einer kurzen Denkpause nahm er seine künstlerische Tätigkeit mit seinem persönlichen und originellen Malprozess wieder auf. Im Alter von 30 Jahren zieht er nach Loiano (wo er fünf Jahre lang lebt), einem kleinen, ruhigen Dorf in der Hauptstadt der Emilia, wo er seine Kunst etabliert. Jedes Werk, das er schuf, war ein Schritt vorwärts in seiner inneren Suche, ein Wunsch, dieses noch verborgene spirituelle Ziel zu erreichen.rnSein Kampf, seine Beziehung zwischen Mensch und Gottheit, führte ihn dazu, die göttliche Sprache anzunehmen, da diese Sprache keine menschlichen Grenzen kennt. (Mystik)rnrn Angelo De Marco alias Anghel De MarcornMit der immer wieder faszinierenden Sprache des Symbolismus, die durch die tägliche Erforschung seiner eigenen Erfahrung und der der Menschheit noch bereichert wird, präsentiert uns Anghel De Marco eine atropo-philosophische und ästhetische Botschaft, die sowohl inhaltlich als auch in ihrer Art und Weise absolut beispiellos ist. Es versteht sich von selbst, dass die fesselnde und anregende Suggestion der Atmosphären dem Leser sofort das Bewusstsein für das uralte und lebensspendende Erbe der Interaktion zwischen Mensch und Kosmos zurückgibt, befreit von den illusorischen Überlagerungen/Integrationen eines unruhigen und uralten Alltags.rnDer Künstler selbst verdeutlicht implizit den Wert, den die direkte Beziehung zwischen dem Menschen und dem Zeichen, das ihn in einer aktuellen (und historisch zyklischen) Spannung mit der Gesellschaft repräsentiert, im Bild hat. Es ist eine Botschaft, die sich - mit Verweisen auf jahrtausendealte und universelle Transzendenzvorschläge, auf persische und babylonische Wurzeln - einer bedeutungsschwangeren und essentiellen Phraseologie bedient, die durch ferne Mythologien des Nahen Ostens und des Mittelmeers, aber noch mehr (und in entscheidendem Maße) durch die geheimnisvollen Implikationen des biblischen Lexikons, insbesondere der Apokalypse, kulturell mutiert ist. Mir scheint, dass ich De Marco mit dem Propheten des Evangeliums vergleichen kann, der aus dem fleißigen Exil von Patmos zur Welt von neuen und helleren Grenzen spricht: eine Sonneninsel, Werkstatt und Zufluchtsort, die für den Künstler ein metropolitanes Patmos ist, bedroht und angegriffen von existenziellen Verschmutzungen, aber solide und unbestechlich turris eburnea. Aus diesem Patmos der Kunst und des Lebens strömt ein bildnerischer Diskurs von bemerkenswerter Ordnung, der sich im sicheren Zeichen sauberer und polierter Bilder entfaltet, die scheinbar heiter sind wie die berühmten Planeten von Donato Creti, an die man sich auch erinnern kann, die aber von großartigen anatomischen Kräften vibrieren, die an Kruzifixe aus dem 12. Jahrhundert und Marco d'Agrate erinnern, an das Pathos und den Realismus von Mantegna, an Klänge, die in einer metaphysischen Tonart asperische Kämpfe à la Paolo Uccello widerspiegeln. Sie sind, wie die von Anghel De Marco, Bilder von realen Kämpfen in der heutigen entfremdeten und zerfallenden Welt. Es gibt - da stimme ich der Künstlerin voll und ganz zu - eine Schönheit, eine physische Perfektion, die eine hervorragende Innerlichkeit darstellt. Die Farbe hat nicht nur eine alchemistische Bedeutung, sondern auch eine, die mit dem Thema zusammenhängt, so dass Rot in jedem Fall Liebe und Hass, Leidenschaft ausdrücken kann; Hellblau im Inneren Ruhe, Frieden. Der Kampf des Menschen ist im Wesentlichen ein streitbarer Dialog mit einem einzigen Gesprächspartner, der gleichzeitig er selbst und die Welt ist; und die dünnen und astralen Atmosphären drücken deutlich seine Einsamkeit und seine offene Perspektive aus, die Antinomien und Dichotomien auflöst und zusammensetzt. Surrealismus Weit gefehlt: philosophisch-ästhetische Themen wie die Hure, die Zweideutigkeit, der Weg, der Vorhang des Lebens, der Egoismus, die Insel der Liebe, der Pakt, der Weg der Weisheit, das Laster, das Gebet, die Kontemplation, die Niederlage, das Gleichgewicht... manifestieren in der Runde eine Liebe zum Menschen, die so intensiv und erlitten ist, dass sie Ironie, Sarkasmus, Oberflächlichkeit und einen gewissen manieristischen Intellektualismus als inkongruent ausschließt.rnDie Technik, die De Marco anwendet, ist ebenso originell (Airbrush mit Farben, Aquarellfarben, Stiften und Puder, auf aufwendig bearbeitetem Karton). Die Farben, die er aus überwiegend natürlichen Materialien selbst herstellt, unterstützen wirkungsvoll den spezifischen und globalen Diskurs.rnDe Marco gelangte dazu durch eine kohärente Malpraxis, die in seiner frühen Adoleszenz keimte und verschiedene technische Erfahrungen und eine eigenständig und hartnäckig verfolgte künstlerische Reifung durchlief.rnAls ich anfing zu malen - gesteht er - wollte ich den inneren Anreiz finden, um eine Botschaft über die Notwendigkeit zu übermitteln, die Augen für die Dinge zu öffnen, die falsch sind, um einen greifbaren, konkreten Glauben vorzuschlagen, der sich durch die Symbolik des Konkreten und der Spiritualität ausdrückt und auf alle Ausdrucksformen des Lebens anwendbar ist.rnDieser faszinierende und beunruhigende Rückblick zeigt, dass er seine Berufung in vollem Umfang verwirklicht hat, und zwar bereits an der Schwelle eines Tages in der Kunst, der ein Vorbote für viele weitere erfreuliche Errungenschaften zu sein verspricht.rnrn Oriano Tassinari ClòrnrnAnghel De Marco (geb. 1958)rnAutodidakt, Visionär, Pilger der Innerlichkeit.rnEr malt mit Asche, Erde, Erinnerung.rnSeine Figuren sind Schwellen, Wunden, offene Ikonen.rnEr sucht nicht nach dem Abbild des Menschen, sondern nach dem Abdruck des Unsichtbaren auf dem Menschen.rnEr verkauft keine Gemälde: er hütet Fragen.rnEr sucht nicht den Erfolg: er befragt die Zeit.rnDer Louvre sollte den heiligen Raum des Zuhörens öffnen.rnDort werden seine Werke endlich nicht mehr aufschreien. Sie werden beten.rnDer Mensch als verletzte Ikonernvon Kunstkritiker Georges Léon GaudibertrnDie Kunst von Anghel De Marco präsentiert sich als Liturgie des verwundeten Körpers. Jede seiner Figuren ist eine Schwelle zwischen dem Menschlichen und dem Göttlichen, zwischen Verderben und Erlösung. Es gibt nie eine reine Beschreibung oder Erzählung: es gibt eine Epiphanie. Körper sind Symbole, Gesichter sind Mysterien, Pigmente sind Sakramente.rnDe Marco arbeitet mit Materialien, die Erinnerungen transportieren: Asche, Lapislazuli, Oxide, Gips, Holzkohle. Seine Werke sind nicht zum Anschauen, sondern zum Anhören gedacht. Sie sind entweihte Ikonen, die durch den inneren Blick des Betrachters neu geweiht werden wollen.rnIn einer Gesellschaft, die Bilder konsumiert, schlägt De Marco das Schweigen des Bildes vor. Und er zwingt uns mit sanfter Gewalt, nackt vor das Sein zurückzukehren.rnrnrnrnrn
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